В статье привлекается внимание к особенностям развития исторического музыкознания на современном этапе. Автор подчёркивает, что за последние три десятилетия произошли значительные изменения, которые были обусловлены глобальными социальнополитическими переменами рубежа 80–90-х годов ХХ столетия. В первую очередь, отмечается, что контекст, в рамках которого воссоздавался музыкальноисторический процесс, в советский период подвергался идеологической коррекции. Поэтому на современном этапе произошла деконструкция сложившейся музыковедческой картины мира. Тем не менее, фундамент исторического музыкознания был заложен именно советскими исследователями, и их ученики продолжают развивать эти традиции. Автор указывает на расширение историкогеографических горизонтов музыковедческих исследований, изменение их тематической карты, ракурсов и общей проблематики, существенное обогащение в сфере методологии научных работ.

Данная статья открывает серию публикаций, посвящённых заупокойному кондаку «Со святыми упокой», который смог преодолеть рамки православного богослужения и интегрироваться в сферу композиторского творчества в качестве русского музыкального символа Смерти. Автор рассматривает его как чрезвычайно важное явление национальной культуры. Впервые в отечественном музыкознании в рамках настоящей статьи систематизируется и анализируется почти двухсотлетняя традиция музыкальных отсылок к мелодии «Со святыми упокой» киевского роспева, представленная в светских сочинениях композиторов русской школы. Каждая из таких цитат или аллюзий получает оригинальное музыкальное воплощение, приобретая различные смысловые оттенки. Некоторые семантические аспекты, выявленные в авторских интерпретациях, присутствовали в заупокойном кондаке изначально. Другие – напротив, являются следствием чужеродного культурного влияния. В исследовании обозначены причины, которые способствовали актуализации интереса композиторов к напеву «Со святыми упокой». Среди них: уход из жизни близкого человека, военные события и иные общественные потрясения, предчувствие конца жизненного пути и его осмысление в поздний период творчества.

В настоящей статье рассматривается одно из ярких и самобытных произведений отечественного композитора Ростислава Григорьевича Бойко – цикл для смешанного хора a cappella «Зимнее утро» на стихи А.С. Пушкина, в котором в концентрированном виде нашли отражение основные черты стиля талантливого московского мастера: тонкость и оригинальность творческого замысла, глубина мысли, значительность идейных концепций, всегда сочетающиеся с яркой образной выразительностью музыки. На основе анализа данного сочинения в работе подробно освещаются такие вопросы, как интерпретация поэтического текста, структурные принципы и трактовка музыкальной формы, драматургическое развитие хоров цикла и их динамический профиль, средства выразительности, в частности, интонационно-мелодический и ладогармонический язык произведения, его фактурная организация. Внимание автора также сосредоточено на выявлении отличительных особенностей композиторского письма, музыкального мышления Р. Бойко, его стиля и творческого метода.

Музыкальное искусство узбекского народа неразрывно связано с духовным наследием предков, формирующим идейно-содержательную сторону произведений изустно-профессионального творчества (макомы, катта ашула, дастаны) и композиций современных авторов. В данной статье рассмотрено несколько сочинений разных лет, в которых идеи духовного возрождения, морально-нравственного совершенствования обрели концептуальное значение. На основе комплексного анализа было выявлено, что в музыкально-сценических произведениях важное место занимает показ самого ритуала, его «внешних» признаков. Выразительная сторона в данном случае образуется как следствие воссоздаваемого на сцене религиозного действа. В инструментальных опусах эмоциональная составляющая ритуала, напротив, выступает на передний план, отражая мироощущение, духовное состояние его участников. Отсюда различие в подходах к воплощению древних обрядов, обновление жанровой природы симфонических произведений, усиление в них признаков театрализации. Объединяющим началом рассмотренных сочинений является обращение композиторов к истории, традициям своего народа с целью показа его культурной самобытности. Это позволяет сохранить духовную связь между поколениями, не прерывать преемственность традиций, в том числе и в области духовно-нравственного развития современного общества.

Статья находится в русле проблематики, связанной с визуализацией несценической музыки. В центре внимания автора – спектакль на музыку Арво Пярта «Страсти по Адаму», поставленный в Таллинне в 2015 году и приуроченный к 80-летию композитора. Его идея родилась в тесном творческом сотрудничестве с американским режиссёром Робертом Уилсоном, чьи постановки с конца 1960-х годов стали оказывать значительное влияние на формирование облика современного театра, привлекая внимание публики во всем мире. Он разработал индивидуальный и оригинальный почерк своего режиссёрского видения, который характерен для всех его театральных работ. Это определяется особым способом использования света, опорой на структуры простого движения и пластики, классической строгостью и лаконичностью сценического оформления. В статье отдельное внимание уделяется личности Р. Уилсона и исследованию феноменов визуального и постдраматического театра, в русле которых театроведы изучают его режиссёрский стиль. Подчёркивается, что постановка «Страстей по Адаму» является ярким примером не только визуализации музыкального текста, не предназначенного для сценического воплощения, но и демонстрирует особенности режиссёрского театра Р. Уилсона.

В статье рассматривается один из широко используемых инструментов, ставший в последние десятилетия мировым стандартом в области визуального программирования для создания произведений в различных направлениях электроакустической музыки. Сегодня освоение Max/MSP/Jitter является обязательной частью образовательных программ крупнейших центров электроакустической (акусматической) музыки, саунддизайна, музыкальной информатики, мультимедиа искусства, исследовательских и экспериментальных студий электронной музыки. Автор обзорно представляет историю развития Max/Msp/Jitter, принципы её организации и способы применения на практике. В работе анализируются особенности Max/Msp/Jitter, позволяющие композиторам и мультимедиа-артистам воплощать смелые художественные замыслы, создавая произведения на основе новых композиционных подходов, таких как стохастические процессы, клеточные автоматы, генетические алгоритмы и т. д., используя для реализации своих идей широкий спектр средств (синтез и обработку звука, работу с видео и изображениями, 3D-графику, физическое моделирование, а также различные устройства, такие как MIDI-контроллеры, сенсоры, системы виртуальной реальности, проекционный маппинг и т. п.). На примере сочинений Пьера Булеза “Anthèmes 2”, Ламберто Кочиолли “Touch” и Карлхайнца Эссла “Lexicon-Sonate” автор анализирует опыт использования композиторами среды Max/Msp/Jitter.

В статье рассматривается деятельность иркутского журналиста А. К. Багашёва (1916–1948), который в военные и первые послевоенные годы очень много публиковался в местной печати. Ключевыми темами освещения являлись музыкальное и сценическое искусство. Данные сферы были хорошо известны А.К. Багашёву. Журналист часто писал об Иркутском областном театре музыкальной комедии. Рецензии, написанные А.К. Багашёвым, свидетельствуют о широком кругозоре и высокой степени начитанности автора. Помимо профессиональной грамотности данного журналиста нужно указать и на бесспорное историческое значение его статей. Благодаря этим материалам ряд событий иркутской музыкальной жизни 1940-х гг. дошёл до нас в обстоятельных описаниях. Вот почему и сегодня его опыт представляет немалую ценность и может быть использован в дальнейшем.

Статья посвящена рассмотрению особенностей становления раннего музыкально-эстетического воспитания в России. Её актуальность обусловлена тем, что данный феномен на сегодняшний день пока не получил всестороннего освещения, и в этом контексте осмысление специфики его развития, безусловно, имеет большое значение для музыкальной науки, музыкальной педагогики. Цель работы состоит в выявлении ряда этапов развития музыкально-эстетического воспитания дошкольников в нашей стране и в определении особенностей каждого из них. Как удалось установить, своим истоком оно имеет детские сады конца XIX века, в которых главное внимание уделялось пению. Важное значение имеет период первой половины XX столетия, когда были сформулированы основные положения методики музыкального воспитания детей дошкольного возраста, получившие своё раскрытие в дальнейшем. Итогом этого процесса стало появление в наше время эстетических отделений при ДМШ и ДШИ, опирающихся на комплексный подход к занятиям и разнообразие предметов. В работе представлена характеристика каждого этапа, получает освещение вопрос о некоторых методиках раннего музыкально-эстетического воспитания. Изучение принципов данного явления показало, что оно имеет свою специфику, обусловленную психологическими особенностями детей дошкольного возраста, которым свой ственен синкретизм сознания, мышления и восприятия. Именно поэтому музыкально-эстетическое воспитание, прежде всего направленное на постижение музыкального языка, всегда опирается на практические задания, синтезирующие музыку с элементами других видов искусств: пластикой, движением, рисованием, театрализацией.

Исследование музыкальных традиций Восточной Азии с начала 80-х годов прошлого века входит в список ведущих направлений научной деятельности кафедры теории музыки Дальневосточного государственного института искусств (г. Владивосток). Накопленные знания и опыт стали основой для многолетнего изучения музыкальной письменности стран Дальнего Востока в широком контексте письменной иероглифической культуры с использованием нейросемиотического подхода. Одним из результатов исследования стала разработка курса «История нотации», значительное место в котором занимает изучение традиционной восточной музыкальной нотографии. Введение этого материала в вузовский курс способствует пониманию высокой художественной ценности музыкальной культуры Восточной Азии и формированию у обучающихся представлений о традиционной музыкальной письменности как важнейшем инструменте сохранения и ретрансляции традиционного культурного наследия.

Статья посвящена исследованию вопроса привлечения внимания к миру дикой природы через искусство масляной живописи. Подчёркивается особое значение детализации кожного покрова животных, поскольку это является одним из способов достижения художественного объёма и живости анималистического образа. Автор обозначает, что усиление детализации кожного покрова существенно влияет на реализм и глубину изображения, и, в свою очередь, на зрительное восприятие. В работе осуществлён анализ некоторых существующих подходов в изображении животных, позволяющий выявить преимущественные их особенности и недостатки. Рассматриваются наиболее эффективные приёмы, используемые мастерами кисти для усиления выразительности посредством детализации кожного покрова, демонстрируя, что их тщательное и систематическое применение в масляной живописи позволяет повысить уровень художественного выражения и создать наиболее запоминающийся визуальный опыт для зрителей.

В статье анализируются формы передачи культурных ценностей (смыслов) посредством современных произведений искусства. Новизна подхода к художественному творению заключается в том, что оно исследуется и как результат межкультурной коммуникации, и как средство передачи культурных смыслов. Автор выделяет три формы трансляции ценностей в искусстве: провокация, сходство, интеграция. Провокация означает, что художник показывает взаимодействие ценностей разных культур, акцентируя внимание на их враждебности и противоречивости. В качестве примера приводится арт-объект русского художника, живущего в Америке, представителя соц-арта А.С. Косолапова «Ленин – Кока-кола». Сходство, наоборот, является формой, демонстрирующей близость смыслов, поиск точек соприкосновений в ценностных системах социума. Данный тезис визуализируют скульптуры Будды и Христа китайского художника Чжань Хуаня. Третья форма трансляции ценностей в искусстве обозначена как интеграция, когда в произведении выражаются ценности, универсальные для всех народов: чистая окружающая среда, безопасность, мир, здоровье, свобода, справедливость и другие. Приведены в качестве примера рабо ты победителей Венецианской биеннале-2019 (операперфоманс «Солнце и море (Марина)» национального павильона Литвы. Делается вывод о том, что искусство, благодаря своему наднациональному, символическому и универсальному языку, способно выстраивать межкультурную коммуникацию между народами.